LA VIDA COTIDIANA VISTA CON OJOS RASGADOS

La expansión de la ideología del consumo y de la cultura de masas durante los revela grandes cambios materiales y sociales en la cultura contemporánea durante los 90’s. En este contexto la fotografía, y en particular la fotografía China, ha hecho un trabajo interesante al preocuparse de este proceso y recopilar importante material no solo para la apreciación en museos alrededor del mundo, sino que como documento histórico para las futuras generaciones.

Por Rocio Novoa

La palabra clave del estado actual de las urbes chinas y de las personas que las habitan es transformación. Transformación que se traduce directamente en el arte contemporáneo en términos de experimentación, trasgresión y nuevas ideas insertadas por una generación de artistas cuya actitud crítica ante un mundo de contradicciones, modernización y tradición les hace interpretarlo desde una parodia a sus símbolos más mediáticos. De estos cambios, que desgarran mentalidades y costumbres, surge la visión del artista contemporáneo chino, y en especial del fotógrafo.

Meneme Gras, directora de cultura y exposiciones de Casa Asia en España habla acerca de la muestra que durante el 2007 se presentó en Madrid y que justamente busca mostrar el desarrollo de la vida cotidiana en los noventa en China: “Son imágenes que no reproducen el mundo tal como se presenta, sino que se construye una puesta en escena para cada una de ellas: de ahí el carácter teatral de estas fotografías, donde se muestra la herencia de la tradición pictórica y la formación académica de sus autores”.

Reformas sociales, apertura económica y el contacto con Occidente ayudan a interpretar el presente de China. En las fotografías de los más importantes fotógrafos actuales que han retratado este tema, puede observarse la ya nombrada transformación que se ha producido en la vida cotidiana y pública de las nuevas y viejas ciudades, y cómo todo esto afecta al individuo. Se apunta que el poder de la imagen en China -y en particular de la imagen fotográfica en la década de los 90– ha alcanzado tal capacidad de persuasión que es imposible disociar la fotografía de aquellos acontecimientos que contribuyen y han contribuido al cambio de actitud y comportamiento social a un ritmo hasta ahora impensable y carente de precedentes.

Así, podemos establecer un recorrido en que cada artista y cada imagen se nterroga sobre la cuestión de la identidad. Por ejemplo, Liu Zheng presenta su serie “Los Chinos”, retratos de los personajes de la China más auténtica y desconocida, seguidos de la recreación de las escenas de la ópera de Pekín, que Zheng reinventa impúdicamente.

Yan Huang mezcla símbolos del arte clásico con medios tecnológicos modernos, fotografiando cuerpos usados como lienzos de pinturas de paisajes clásicos chinos.

Del objetivo de An Hong se desprende la crítica a la sociedad contemporánea a través de la parodia del culto budista (“Yo soy Buda”).

La obra de Yang Fudong, muestra al individuo en medio del caos urbano de la China moderna.

La obra de estos artistas contemporáneos “mira a la sociedad en la que viven con la perplejidad de una conciencia que se asombra ante sus propias acciones”, dice Menene Gras. Por otro lado, el tema de la búsqueda de la identidad, tanto colectiva como individual, es una constante en el trabajo de estos artistas. “La fotografía fabrica realidad, sea a partir de un modelo preexistente como a partir de la reproducción de un modelo específicamente creado para dar lugar a la imagen fotográfica. Esto hace que en la fotografía contemporánea china se dé tanto el registro de performances por sus propios autores, a modo de testimonio de acciones únicas que no se repiten, como el diseño y la creación de performances para hacer la fotografía o fabricar la imagen fotográfica”.

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LA ETERNIDAD EN SUGIMOTO

Un fotógrafo japonés que describe instantes que se deslizan hacia el infinito. Más en blanco y negro que a color. No basta con describir su obra en un par de líneas, porque sus fotografías van más allá de una mera toma. Representan amplitudes que suelen engañar al ojo humano, con imágenes que amplían el campo visual.

Pamela De Vicenzi Torres

Hiroshi Sugimoto nació en Tokio en 1948. Aunque en la actualidad, Japón es la mitad de su tiempo. El fotógrafo se radicó en Nueva York en 1974. Sus estudios los realizó en la capital nipona, en St. Paul’s University, aunque no tuvieron relación con su posterior carrera artística: estudió Política y Sociología.

Después de graduarse, se marchó a Los Ángeles, California, para realizar estudios artísticos. Su primer trabajo comenzó en 1976, con «Dioramas». Consistió en un set de fotografías de museos históricos naturales. Sugimoto capturó las imágenes de tal manera que creó una ilusión óptica: las fotografías parecían reales, aunque bastaba una ojeada minuciosa para descubrir el truco.

Sugimoto ha realizado diversas instalaciones a lo largo de su carrera. En 1978, realizó un recorrido por las antiguas salas de cine americano. El procedimiento para fotografiar era dejar la pantalla como única iluminación y la luz se proyecta hacia los asientos y otros espacios del teatro. Se puede observar en dichas imágenes la sensación de infinito y el juego que realiza con el tiempo y su continuidad.

El fotógrafo japonés posee un claro concepto de composición, ya que de acuerdo a los análisis realizados en torno a su figura, es una especie de «arquitecto». En otras palabras, logra involucrarse con los espacios y ubicarlos en la forma que Sugimoto desea. Y no sólo utiliza la perspectiva, sino que también nos proporciona irrealidad, de acuerdo a sus influencias del dadaísmo y del surrealismo.

Otra de sus obras conocidas es «Retratos», de 1999. Sugimoto fotografió figuras de cera de Enrique VIII y sus esposas. Le otorgó una iluminación especial a las imágenes para recrear la ilusión de una pintura real.

En 2001 recibió el Hasselblad Foundation International Award. Ya en la actualidad, en 2009 una de sus fotografías, «Boden Sea», fue escogida por U2 para su nuevo álbum No Line on the Horizon.

Hiroshi Sugimoto define lo que quiere lograr en sus obras: I try to never be satisfied; this way I will always be challenging my spirit (Trato de nunca estar satisfecho; de esta manera siempre seré un reto a mi espíritu). Su simpleza se vuelve complejidad en una fotografía, donde el tiempo y el espacio suelen engañar al ojo humano.

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